person:bob dylan

J.S. Ondara raconte son rêve folk américain à l’Espace Django vendredi
▻https://www.rue89strasbourg.com/js-ondara-folk-americain-espace-django-vendredi-152387

La notion de rêve américain prend tout son sens quand on découvre J.S. Ondara. Jeune songwriter kenyan maintenant installé à Minneapolis, il affole la presse musicale, qui y voit la relève de Bob Dylan ou de Neil Young. À vérifier vendredi soir sur la scène de l’Espace Django. (lire l’article complet : J.S. Ondara raconte son rêve folk américain à l’Espace Django vendredi)

Un des nombreux massacres de l’armée française coloniale, celui de Thiaroye au Sénégal, mérite d’être rappelé sans cesse, pour la brutalité et l’injustice de la colonisation, mais aussi parce que ces crimes ne sont ni reconnus à leur juste valeur, ni réparés par des dédommagements légitimes.

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/a/a0/Camp_de_Thiaroye.jpg

En 1988, l’écrivain et réalisateur sénégalais, et ancien tirailleur lui même, Semben Ousmane, réalise l’excellent Camp de Thiaroye, prix spécial du jury à la Mostra de Venise, jamais diffusé à la télévision française, mais visible ici :
►https://rarefilmm.com/2018/05/camp-de-thiaroye-1988

Fidèle à ma réputation, je me dois de signaler deux détails musicaux sur ce film qui, à ma grande suprise, n’étaient signalés ni sur wikipédia (j’ai corrigé ça) ni sur l’IMDB :

La musique est composée et jouée, entre autre à l’harmonica, par Ismaila Lo. Il s’agit de l’artiste qui deviendra célèbre en 1994 sous le nom d’Ismael Lo, avec son tube Dibi Dibi Rek, et son harmonica qui lui valut le surnom du Bob Dylan africain :
▻https://www.youtube.com/watch?v=WlqXmlrvHv8

Ismael Lo joue aussi dans le film, justement le soldat harmoniciste qui calme Pays en lui jouant Lili Marlène. Il jouera encore dans un court métrage de Idrissa Ouedraogo, Afrique, mon Afrique (1995, dont il composera aussi la musique), et dans Tableau Ferraille, de Moussa Sene Absa (1996).

Autre acteur et musicien dans ce film, le congolais Casimir Zoba, plus connu sous le nom de Zao, et qui joue un soldat congolais. Déjà célèbre depuis 1984 et son tube Ancien Combattant, dans lequel on retrouve la même langue imagée que dans le film, Zao continuera de composer jusqu’en 1999, mais je ne sais pas s’il tournera dans d’autres films. Après une pause, il recommence à donner des concerts depuis 2006 et je vous le recommande chaudement s’il passe près de chez vous...
►https://www.youtube.com/watch?v=K4w6kSucANY

Le massacre de Thiaroye a déjà été couvert sur Seenthis, ici :
▻https://seenthis.net/messages/316726
►https://seenthis.net/messages/316990
▻https://seenthis.net/messages/317126
▻https://seenthis.net/messages/317354
▻https://seenthis.net/messages/440328
▻https://seenthis.net/messages/704475

#Thiaroye_44 #Thiaroye #Massacre_de_Thiaroye #tirailleurs_sénégalais #indigènes #france #afrique #sénégal #seconde_guerre_mondiale #mémoire #histoire #colonialisme #Semben_Ousmane #Camp_de_Thiaroye #Ismael_Lo #Zao

http://www.desordre.net/bloc/ursula/2014/50/images/grandes/berlin.jpg

Je ne sais pas ce qu’il y dans mon café ce matin, mais je viens de réaliser quelque chose qui me donne le vertige, nous sommes donc, désormais, en 2019, ce qui veut dire que cette année, en octobre, nous allons commémorer le trentième anniversaire de la chute du mur de Berlin, qui, dans mon souvenir, était hier, avant-hier tout au plus.

►http://www.desordre.net/bloc/ursula/2014/cinquantaine/pele-meles/022.htm

▻https://www.youtube.com/watch?v=XLWrslitANg

The New American Songbook: The oldies of the future.
▻https://slate.com/culture/2018/10/the-new-american-songbook-the-oldies-of-the-future.html

Oct 18, 2018 - Here are the hits of the past 25 years that we’ll be listening to for the next 100.

What makes a song last? The history of popular music tells us that many masterpieces of songcraft—and even the most world-conquering smashes—are quickly forgotten.

Meanwhile, many earworms burrow deep into the collective consciousness, where they take root, whether we like it or not.

Which of today’s hits will be tomorrow’s classics?

Who could have predicted that “Don’t Stop Believin’ ”—which was, upon its release in 1981, a commercial disappointment from a critically derided band—would become the 20th century’s best-selling digital download?* Or that it would be a “novelty” dance single, of all song varieties, that would become Billboard’s pick for the greatest single of all time?

Separating the most durable tunes from the millions of other would-be classics is no easy task. So we asked critics, musicians, and industry professionals to predict which tracks from the past 25 years we’ll still be dancing and singing along to for the next 100 years. Some of these songs our children will belt in sports arenas. Others our grandchildren will dance to at their weddings.

The New American Songbook is emphatically not a list of the best songs of the past quarter-century, although many of these tracks would make that list, too. As predicted by our panel, tomorrow’s oldies, like tomorrow’s America, will be a lot less male-dominated, and a lot more diverse. Less than a third of the songs on our list are fronted by white men, and no artists are featured more frequently than pop music’s first couple Beyoncé and Jay-Z. Classic rock will soon be rivaled by classic rap, and the Cole Porter of the next American songbook may be Max Martin.

Below, find the Top 30 songs, in order, all of which were nominated by at least two of our panelists. You can also read the individual ballots of everyone from Chuck Klosterman to NPR’s Ann Powers to Drive-By Truckers’ Patterson Hood. Which of today’s hits will endure as tomorrow’s golden oldies? Here’s our best guess.

30. Idina Menzel – “Let It Go”

Producers: Kristen Anderson-Lopez, Robert Lopez
Songwriters: Kristen Anderson-Lopez, Robert Lopez
Year: 2013

29. Liz Phair – “Fuck and Run”

Producers: Liz Phair, Brad Wood
Songwriter: Liz Phair
Year: 1993

28. Daft Punk ft. Pharrell Williams and Nile Rodgers – “Get Lucky”

Producers: Thomas Bangalter, Guy-Manuel de Homem-Christo
Songwriters: Thomas Bangalter, Guy-Manuel de Homem-Christo, Nile Rodgers, Pharrell Williams
Year: 2013

27. Alanis Morissette – “You Oughta Know”

Producer: Glen Ballard
Songwriters: Alanis Morissette, Glen Ballard
Year: 1995

26. Old Crow Medicine Show – “Wagon Wheel”

Producer: David Rawlings
Songwriters: Bob Dylan, Ketch Secor
Year: 2004

25. Destiny’s Child – “Say My Name”

Producer: Darkchild
Songwriters: LaShawn Daniels, Rodney Jerkins, Fred Jerkins III, Beyoncé, LeToya Luckett, LaTavia Roberson, Kelly Rowland
Year: 1999

24. Israel Kamakawiwoʻole – “Somewhere Over the Rainbow/What a Wonderful World”

Producers: Israel Kamakawiwoʻole, Jon de Mello
Songwriters: Edgar Yipsel Harburg, Bob Thiele, George David Weiss
Year: 1993

23. Beyoncé ft. Jay-Z – “Crazy in Love”

Producers: Rich Harrison, Beyoncé
Songwriters: Beyoncé, Rich Harrison, Eugene Record, Shawn Carter
Year: 2003

22. Nine Inch Nails – “Hurt”

Producer: Trent Reznor
Songwriter: Trent Reznor
Year: 1994

Producers: Dr. Dre, Mike Elizondo
Songwriters: Curtis Jackson, Andre Young, Mike Elizondo
Year: 2003

20. Adele – “Rolling in the Deep”

Producer: Paul Epworth
Songwriters: Adele Adkins, Paul Epworth
Year: 2010

19. Oasis – “Wonderwall”

Producers: Owen Morris, Noel Gallagher
Songwriter: Noel Gallagher
Year: 1995

18. Backstreet Boys – “I Want It That Way”

Producers: Kristian Lundin, Max Martin
Songwriters: Andreas Carlsson, Max Martin
Year: 1999

17. Rihanna ft. Calvin Harris – “We Found Love”

Producer: Calvin Harris
Songwriter: Calvin Harris
Year: 2011

16. The Killers – “Mr. Brightside”

Producer: The Killers
Songwriters: Brandon Flowers, Dave Keuning, Mark Stoermer, Ronnie Vannucci Jr.
Year: 2003

15. Céline Dion – “My Heart Will Go On”

Producers: Walter Afanasieff, James Horner, Simon Franglen
Songwriters: Will Jennings, James Horner
Year: 1997

14. Santana ft. Rob Thomas – “Smooth”

Producer: Matt Serletic
Songwriters: Itaal Shur, Rob Thomas
Year: 1999

13. Lauryn Hill – “Doo Wop (That Thing)”

Producer: Lauryn Hill
Songwriter: Lauryn Hill
Year: 1998

12. Drake – “Hotline Bling”

Producer: Nineteen85
Songwriters: Aubrey Graham, Paul Jefferies, Timmy Thomas
Year: 2015

11. Eminem – “Lose Yourself”

Producers: Eminem, Jeff Bass, Luis Resto
Songwriter: Marshall Mathers
Year: 2002

10. Carly Rae Jepsen – “Call Me Maybe”

Producer: Josh Ramsay
Songwriters: Carly Rae Jepsen, Josh Ramsay, Tavish Crowe
Year: 2012

9. TLC – “Waterfalls”

Producer: Organized Noize
Songwriters: Marqueze Etheridge, Lisa Lopes, Organized Noize
Year: 1994

8. The White Stripes – “Seven Nation Army”

Producer: Jack White
Songwriter: Jack White
Year: 2003

7. Mariah Carey – “All I Want for Christmas Is You”

Producers: Mariah Carey, Walter Afanasieff
Songwriters: Mariah Carey, Walter Afanasieff
Year: 1994

6. Mark Ronson ft. Bruno Mars – “Uptown Funk”

Producers: Mark Ronson, Jeff Bhasker, Bruno Mars
Songwriters: Jeff Bhasker, Philip Lawrence, Peter Hernandez, Mark Ronson, Nicholas Williams, Devon Gallaspy, Lonnie Simmons, Charles Wilson, Ronnie Wilson, Robert Wilson, Rudolph Taylor
Year: 2014

5. The Notorious B.I.G. – “Juicy”

Producers: Poke of Trackmasters, Pete Rock
Songwriters: Christopher Wallace, Hunter McIntosh, Sean Combs, Pete Rock, Jean-Claude Olivier, Samuel Barnes
Year: 1994

4. Kelly Clarkson – “Since U Been Gone”

Producers: Max Martin, Dr. Luke
Songwriters: Max Martin, Lukasz Gottwald
Year: 2004

3. Beyoncé – “Single Ladies (Put a Ring on It)”

Producers: Christopher Stewart, Terius Nash, Beyoncé
Songwriters: Christopher Stewart, Terius Nash, Thaddis Harrell, Beyoncé
Year: 2008

2. Jay-Z ft. Alicia Keys – “Empire State of Mind”

Producer: Al Shux
Songwriters: Angela Hunte, Alicia Keys, Alexander Shuckburgh, Bert Keyes, Janet Sewell-Ulepic, Shawn Carter, Sylvia Robinson
Year: 2009

1. Outkast – “Hey Ya”

Producer: André 3000
Songwriter: André 3000
Year: 2003

This future standard has the “best hook in history,” writes Powers. And it’s perhaps the strongest testament to Outkast’s world-conquering, genre-bending hit that you can’t help but mentally scroll through this perennial list-topper’s many catchy bits and respond, “Wait—which one?” Of course there’s the titular chorus, at once triumphant and melancholy. (While some panelists referred to it as “an expression of pure pop joy,” the lyrics find the singer worrying that all love is transient.) But there are also the hand claps putting three exclamation points on each couplet, the call-and-response section that lets the audience deliver the cooler-than-cool punchline, the “shake it like a Polaroid picture” bridge that people will be singing long after they’ve forgotten the purpose of shaking Polaroids, even the repetition of 14 straight “all rights” that embodies this song’s perfect combination of pop universality and André 3000 weirdness. (See also the time signature, which is either a standard 4/4 or a downright bizarre 11/4, depending on whom you ask.)

And these hooks have already sunk themselves into subsequent generations. As Kois writes, “The first time I played this song for my kids it was as if they’d already heard it 1,000 times.” If what they say is “Nothing is forever,” “Hey Ya” might be the exception.

#musique

Bob Dylan’s Masterpiece, “Blood on the Tracks,” Is Still Hard to Find | The New Yorker
▻https://www.newyorker.com/culture/cultural-comment/bob-dylans-masterpiece-is-still-hard-to-find

https://media.newyorker.com/photos/5beaefa73e65d77eedbedebc/16:9/w_1200,h_630,c_limit/Ross-Dylan-New-York-Sessions.jpg

In September, 1974, Bob Dylan spent four days in the old Studio A, his favorite recording haunt in Manhattan, and emerged with the greatest, darkest album of his career. It is a ten-song study in romantic devastation, as beautiful as it is bleak, worthy of comparison with Schubert’s “Winterreise.” Yet the record in question—“Blood on the Tracks”—has never officially seen the light of day. The Columbia label released an album with that title in January, 1975, but Dylan had reworked five of the songs in last-minute sessions in Minnesota, resulting in a substantial change of tone. Mournfulness and wistfulness gave way to a feisty, festive air. According to Andy Gill and Kevin Odegard, the authors of the book “A Simple Twist of Fate: Bob Dylan and the Making of ‘Blood on the Tracks,’ ” from 2004, Dylan feared a commercial failure. The revised “Blood” sold extremely well, reaching the top of the Billboard album chart, and it ended talk of Dylan’s creative decline. It was not, however, the masterwork of melancholy that he created in Studio A.

Ultimately, the long-running debate over the competing incarnations of “Blood on the Tracks” misses the point of what makes this artist so infinitely interesting, at least for some of us. Jeff Slate, who wrote liner notes for “More Blood, More Tracks,” observes that Dylan’s work is always in flux. The process that is documented on these eighty-seven tracks is not one of looking for the “right” take; it’s the beginning of an endless sequence of variations, which are still unfolding on his Never-Ending Tour.

#Bob_Dylan #Musique

Le Dolle Mol, le café anarchiste bruxellois est rouvert Tom Denis - 9 Novembre 2018 - RTBF
▻https://www.rtbf.be/info/regions/detail_le-dolle-mol-le-cafe-anarchiste-bruxellois-est-rouvert?id=10068984

Ouvert en 1969, le Dolle Mol a accueilli beaucoup d’artistes : Léo Ferré, Tom Waits ou encore Bob Dylan, mais aussi tous ceux qui ne trouvaient pas d’endroit pour se réunir comme les Brigades Rouges, l’entarteur #Noël_Godin et ses complices, et même les membres du gouvernement de l’ex-Congo belge en Exil. Un lieu d’histoire ou tous les styles se mélangeaient. Les lieux étaient vides depuis 2015. 

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Pour l’inauguration ce jeudi soir, les anciens habitués se sont donné rendez-vous
Sur les pavés, devant la façade rouge, une centaine de bruxellois ont un verre à la main. Certains parlent du passé, se souviennent et rient… d’autres découvrent le café pour la première fois. « C’est vraiment une ambiance très riche, on sent que ça fait plaisir aux gens qui sont venus retrouver le Dolle Mol », confie l’un d’entre eux « c’est une bonne chose de faire revivre ce quartier, la rue est super. On est tout près du centre, avant c’était un peu mort ».

Derrière la porte, une musique et cette odeur qui caractérise si bien les bars belges. Accoudé à la fenêtre : #Jan_Bucquoy, celui qui en 69 s’est installé ici avec quelques bacs de bières. « ça a toujours été très mixte, avant tu avais des banquiers et des clochards au même comptoir  », se souvient Jan Bucquoy. « Cet endroit fini par redevenir ce que c’était, un lieu de #liberté. Quand on s’est installé ici, on ne partageait pas d’idéologie, on appartenait à aucune secte, ni aucun parti. Ici, tu pouvais très bien trouver des gens d’extrême droite comme d’extrême gauche. Ils s’installaient au comptoir et trouvaient des liens pour discuter ».

Le bar est repris par cinq complices
Ces cinq belges se sont rencontrés à Kinshasa, bercés eux aussi par cette idée de liberté. « Ça doit être un espace d’accueil culturel et citoyen pour des artistes ou des ASBL bruxelloises qui n’ont pas de lieu pour exposer ni se réunir et débattre », explique Mariane Lemarchant, l’une des administratrices du lieu. « Le bar est convivial et propose une carte avec les produits de micro brasseries bruxelloises et de ses environs avec, bien évidemment aussi quelques classiques de notre gastronomie brassicole », ajoute Michel Rischard, le trésorier.

Des prestations artistiques
Le #Dolle_Molle démarrera ses activités culturelles, le jeudi 22 novembre, avec une performance associant musique et peinture en live. Sous les coups de baguette de Teun Verbruggen, Vincent Glowinski connu sous le pseudonyme de BONOM, va peindre différentes toiles en direct qui seront ensuite exposées dans la galerie au premier étage.

Au Dolle Mol, la couleur #rouge est donc toujours là, le prix de la bière accessible, loin des bars branchés. Il se veut ouvert à tous.

#artivisme #gloupgloup #alternatives #Bruxelles #Belgique

Le chanteur irlandais Hozier invite Mavis Staples pour chanter une chanson dédiée à Nina Simone :

Nina Cried Power
▻https://www.youtube.com/watch?v=j2YgDua2gpk

Une version live :
▻https://www.youtube.com/watch?v=OBKPI5t9xI8

Les paroles (où l’on retrouve Nina Simone, Billie Holliday, Mavis Staples, Curtis Mayfield, Patti LaBelle, John Lennon, James Brown, B.B. King, Joni Mitchell, Pete Seeger, Marvin Gaye, Millie Jackson, Bob Dylan, Woody Guthrie) :

It’s not the waking, it’s the rising
It is the grounding of a foot uncompromising
It’s not forgoeing of the lie
It’s not the opening of eyes
It’s not the waking, it’s the rising
It’s not the shade, we should be past it
It’s the light, and it’s the obstacle that casts it
It’s the heat that drives the light
It’s the fire it ignites
It’s not the waking, it’s the rising
It’s not the song, it is the singing
It’s the hearing of a human spirit ringing
It is the bringing of the line
It is the baring of the rhyme
It’s not the waking, it’s the rising
And I could cry power (power)
Power (power)
Power Nina cried power
Billie cried power
Mavis cried power
And I could cry power
Power (power)
Power (power)
Power
Curtis cried power
Patti cried power
Nina cried power
It’s not the wall but what’s behind it
The fear of fellow men, his mere assignment
And everything that we’re denied
By keeping the divide
It’s not the waking, it’s the rising
And I could cry power (power)
Power (power)
Oh, power Nina cried power
Lennon cried power
James Brown cried power
And I could cry power
Power (power)
Power (power)
Power, lord
B.B. cried power
Joni cried power
Nina cried power
And I could cry power
Power has been cried by those stronger than me
Straight into the face that tells you
To rattle your chains if you love being free

NB : Nina Simone - Voleurs (1977)
▻https://www.youtube.com/watch?v=zkp77Rjt-9Q

#Musique #Musique_et_politique #Mavis_Staples #Nina_Simone #Hozier

Plagiarists or innovators ? The Led Zeppelin paradox endures
▻https://theconversation.com/plagiarists-or-innovators-the-led-zeppelin-paradox-endures-102368

https://images.theconversation.com/files/235069/original/file-20180905-45158-lz4kcn.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=0%2C45%2C2711%2C1353&q=45&auto=format&w=1356&h=668&fit=crop

La musique entre usage des communs et plagiat, entre appropriation et « just have fun ». Superbe article.

Fifty years ago – in September 1968 – the legendary rock band Led Zeppelin first performed together, kicking off a Scandinavian tour billed as the New Yardbirds.

The new, better name would come later that fall, while drummer John Bonham’s death in 1980 effectively ended their decade-defining reign. But to this day, the band retains the same iconic status it held back in the 1970s: It ranks as one of the best-selling music acts of all time and continues to shape the sounds of new and emerging groups young enough to be the band members’ grandchildren.

Yet, even after all this time – when every note, riff and growl of Zeppelin’s nine-album catalog has been pored over by fans, cover artists and musicologists – a dark paradox still lurks at the heart of its mystique. How can a band so slavishly derivative – and sometimes downright plagiaristic – be simultaneously considered so innovative and influential?

How, in other words, did it get to have its custard pie and eat it, too?

As a scholar who researches the subtle complexities of musical style and originality as well as the legal mechanisms that police and enforce them, such as copyright law, I find this a particularly devilish conundrum. The fact that I’m also a bassist in a band that fuses multiple styles of music makes it personal.
A pattern of ‘borrowing’

For anyone who quests after the holy grail of creative success, Led Zeppelin has achieved something mythical in stature: a place in the musical firmament, on its own terms, outside of the rules and without compromise.

When Led Zeppelin debuted its eponymous first album in 1969, there’s no question that it sounded new and exciting. My father, a baby boomer and dedicated Beatles fan, remembers his chagrin that year when his middle school math students threw over the Fab Four for Zeppelin, seemingly overnight. Even the stodgy New York Times, which decried the band’s “plastic sexual superficiality,” felt compelled, in the same article, to acknowledge its “enormously successful … electronically intense blending” of musical styles.

Yet, from the very beginning, the band was also dogged with accusations of musical pilfering, plagiarism and copyright infringement – often justifiably.

The band’s first album, “Led Zeppelin,” contained several songs that drew from earlier compositions, arrangements and recordings, sometimes with attribution and often without. It included two Willie Dixon songs, and the band credited both to the influential Chicago blues composer. But it didn’t credit Anne Bredon when it covered her song “Babe I’m Gonna Leave You.”

The hit “Dazed and Confused,” also from that first album, was originally attributed to Zeppelin guitarist Jimmy Page. However in 2010, songwriter Jake Holmes filed a lawsuit claiming that he’d written and recorded it in 1967. After the lawsuit was settled out of court, the song is now credited in the liner notes of re-releases as “inspired by” Holmes.
‘Dazed and Confused’ by Jake Holmes.

The band’s second album, “Led Zeppelin II,” picked up where the first left off. Following a series of lawsuits, the band agreed to list Dixon as a previously uncredited author on two of the tracks, including its first hit single, “Whole Lotta Love.” An additional lawsuit established that blues legend Chester “Howlin’ Wolf” Burnett was a previously uncredited author on another track called “The Lemon Song.”

Musical copyright infringement is notoriously challenging to establish in court, hence the settlements. But there’s no question the band engaged in what musicologists typically call “borrowing.” Any blues fan, for instance, would have recognized the lyrics of Dixon’s “You Need Love” – as recorded by Muddy Waters – on a first listen of “Whole Lotta Love.”
Dipping into the commons or appropriation?

Should the band be condemned for taking other people’s songs and fusing them into its own style?

Or should this actually be a point of celebration?

The answer is a matter of perspective. In Zeppelin’s defense, the band is hardly alone in the practice. The 1960s folk music revival movement, which was central to the careers of Baez, Holmes, Bredon, Dixon and Burnett, was rooted in an ethic that typically treated musical material as a “commons” – a wellspring of shared culture from which all may draw, and to which all may contribute.

Most performers in the era routinely covered “authorless” traditional and blues songs, and the movement’s shining star, Bob Dylan, used lyrical and musical pastiche as a badge of pride and display of erudition – “Look how many old songs I can cram into this new song!” – rather than as a guilty, secret crutch to hold up his own compositions.

Why shouldn’t Zeppelin be able to do the same?
Willie Dixon’s imprint can be found on a number of Led Zeppelin songs. Brianmcmillen, CC BY-SA

On the other hand, it’s hard to ignore the racial dynamics inherent in Led Zeppelin’s borrowing. Willie Dixon and Howlin’ Wolf were African-Americans, members of a subjugated minority who were – especially back then – excluded from reaping their fair share of the enormous profits they generated for music labels, publishers and other artists.

Like their English countrymen Eric Clapton and The Rolling Stones, Zeppelin’s attitude toward black culture seems eerily reminiscent of Lord Elgin’s approach to the marble statues of the Parthenon and Queen Victoria’s policy on the Koh-i-Noor diamond: Take what you can and don’t ask permission; if you get caught, apologize without ceding ownership.

Led Zeppelin was also accused of lifting from white artists such as Bredon and the band Spirit, the aggrieved party in a recent lawsuit over the rights to Zeppelin’s signature song “Stairway to Heaven.” Even in these cases, the power dynamics were iffy.

Bredon and Spirit are lesser-known composers with lower profiles and shallower pockets. Neither has benefited from the glow of Zeppelin’s glory, which has only grown over the decades despite the accusations and lawsuits leveled against them.
A matter of motives

So how did the band pull it off, when so many of its contemporaries have been forgotten or diminished? How did it find and keep the holy grail? What makes Led Zeppelin so special?

I could speculate about its cultural status as an avatar of trans-Atlantic, post-hippie self-indulgence and “me generation” rebellion. I could wax poetic about its musical fusion of pre-Baroque and non-Western harmonies with blues rhythms and Celtic timbres. I could even accuse it, as many have over the years, of cutting a deal with the devil.

Instead, I’ll simply relate a personal anecdote from almost 20 years ago. I actually met frontman Robert Plant. I was waiting in line at a lower Manhattan bodega around 2 a.m. and suddenly realized Plant was waiting in front of me. A classic Chuck Berry song was playing on the overhead speakers. Plant turned to look at me and mused, “I wonder what he’s up to now?” We chatted about Berry for a few moments, then paid and went our separate ways.

Brief and banal though it was, I think this little interlude – more than the reams of music scholarship and journalism I’ve read and written – might hold the key to solving the paradox.

Maybe Led Zeppelin is worthy because, like Sir Galahad, the knight who finally gets the holy grail, its members’ hearts were pure.

During our brief exchange, it was clear Plant didn’t want to be adulated – he didn’t need his ego stroked by a fawning fan. Furthermore, he and his bandmates were never even in it for the money. In fact, for decades, Zeppelin refused to license its songs for television commercials. In Plant’s own words, “I only wanted to have some fun.”

Maybe the band retained its fame because it lived, loved and embodied rock and roll so absolutely and totally – to the degree that Plant would start a conversation with a total stranger in the middle of the night just to chat about one of his heroes.

This love, this purity of focus, comes out in its music, and for this, we can forgive Led Zeppelin’s many trespasses.

#Communs #Led_Zeppelin #Musique

Le fabricant de guitares iconiques Gibson connaît des difficultés financières
▻http://www.konbini.com/fr/entertainment-2/guitares-gibson-bientot-faillite

Gibson, le célèbre fabricant de guitares et de matériel audio est au plus mal financièrement. La faillite n’est pas encore là, mais semble inévitable.

Qu’elle soit électrique, acoustique ou basse, il y a de forte chance que vous, si vous êtes guitariste, ayez déjà eu entre les mains, une gratte de la marque Gibson, et particulièrement son modèle phare, Les Paul. C’est en tout cas le cas pour une flopée d’artistes rock tels que B.B. King, Eric Clapton, The Edge, Slash, Bob Dylan, Keith Richards, Pete Townshend ou encore Mark Knopfler. Tant d’ambassadeurs qui pourtant n’empêchent pas actuellement la société basée à Nashville de souffrir de difficultés financières. Créée en 1902, la société basée à Nashville dans l’État du Tennessee serait en effet proche de la faillite après 116 ans de bons et loyaux services.

La nouvelle nous vient du journal local Nashville Post qui a relevé le communiqué du patron de l’entreprise Henry Juszkiewicz. Conscient de la situation, il a affirmé qu’il voulait éviter la faillite à tout prix. Pour ce faire, il devra restructurer ses dettes et trouver de nouveaux investisseurs. Un redressement qui ne sera néanmoins pas une mince affaire puisque l’actuel PDG se heurte actuellement à un bras de fer avec ses créanciers au sujet de mauvaises décisions commerciales passées.

Bob Dylan unseen : Daniel Kramer discusses rare images from the 1960s | Music | The Guardian
▻https://www.theguardian.com/music/2016/may/25/bob-dylan-75-unseen-photos-daniel-kramer

https://i.guim.co.uk/img/media/f0acc8d370cd45e95e412bef9015de07e2d4463d/423_530_3319_1992/3319.jpg?w=1200&h=630&q=55&auto=format&usm=12&fit=crop&crop=faces%2Centropy&bm=normal&ba=bottom%2Cleft&blend64=aHR0cHM6Ly91cGxvYWRzLmd1aW0uY28udWsvMjAxOC8wMS8zMS9mYWNlYm9va19kZWZhdWx0LnBuZw&s=ece9bdf06a312365285de38a7dedb458

That’s the porch of Albert Grossman’s home. There’s a series of swing pictures in the book, all taken in that first session. Bob looks glum, but I have some in the book where he’s standing up on the swing pumping hard and smiling. It just a couple of guys taking some pictures that day to see what we could do. It was all unsaid. Dylan is very smart about these things. He knows how to work with the camera.

Yep, très fier d’avoir l’original du livre de Daniel Kramer... surtout depuis que je sais que la ré-édition Taschen coûte 500 €. J’ai acheté le mien pour trois francs six sous il y a plus de trente ans sur le marché de Caen, sur la table d’un libraire d’occasion. Un livre magique.

#Bob_Dylan #Daniel_Kramer #Photographie

Covers by Ramones | WhoSampled
▻https://www.whosampled.com/Ramones/covers
▻https://www.youtube.com/watch?v=B2N0EeIV2aQ

Ramone’s I Don’t Wanna Grow Up
▻http://lili.de/u/kaiid
I Don’t Wanna Grow Up (1995) is a cover I Don’t Wanna Grow Up by Tom Waits (1992)
▻http://lili.de/u/doavh

Ramones’s Somebody to Love
▻http://lili.de/u/37umb
Somebody to Love (1993) is a cover of Somebody to Love by Jefferson Airplane (1967)
▻http://lili.de/u/h6tuj

Ramones’s Have You Ever Seen the Rain?
▻http://lili.de/u/l0axi
Have You Ever Seen the Rain? (1993) is a cover of Have You Ever Seen the Rain by Creedence Clearwater Revival (1970)
▻http://lili.de/u/ln8cg

Ramones’s Chinese Rocks
▻http://lili.de/u/5nke7
Chinese Rocks (1980) is a cover of Chinese Rocks by The Heartbreakers (1977)
▻http://lili.de/u/ews5e

Ramones’s Street Fighting Man
▻http://lili.de/u/roru2
Street Fighting Man (1985) is a cover of Street Fighting Man by The Rolling Stones (1968)
▻http://lili.de/u/w45g6

Ramones’s Out of Time
▻http://lili.de/u/8esy1
Out of Time (1993) is a cover of Out of Time by The Rolling Stones (1966)
▻http://lili.de/u/lxixq

Ramones’s Take It as It Comes
▻http://lili.de/u/pm1uo
Take It as It Comes (1992) is a cover of Take It as It Comes by The Doors (1967)
▻http://lili.de/u/lej2c

Ramones’s Surfin’ Bird
▻http://lili.de/u/4thos
Surfin’ Bird (1977) is a cover of Surfin’ Bird by The Trashmen (1964)
▻http://lili.de/u/zsgek

Ramones’s Surfin’ Safari
▻http://lili.de/u/etl4i
Surfin’ Safari (1993) is a cover of Surfin’ Safari by The Beach Boys (1962)
▻http://lili.de/u/0qnu1

Ramones’s Baby, I Love You
▻http://lili.de/u/1dt0v
Baby, I Love You (1980) is a cover of Baby, I Love You by The Ronettes (1964)
▻http://lili.de/u/c730q

Ramones’s Substitute
▻http://lili.de/u/cf04m
Substitute (1993) is a cover of Substitute by The Who (1966)
▻http://lili.de/u/jwbeu

Ramones’s Needles and Pins
▻http://lili.de/u/isdd8
Needles and Pins (1978) is a cover of Needles and Pins by Jackie DeShannon (1963)
▻http://lili.de/u/lr1r6

Ramones’s Let’s Dance
▻http://lili.de/u/6rnf0
Let’s Dance (1976) is a cover of Let’s Dance by Chris Montez (1962)
▻http://lili.de/u/vgsn1

Ramones’s Spider-Man
▻http://lili.de/u/ekewv
Spider-Man (1995) is a cover of Spider-Man (Theme) by Robert “Bob” Harris (1967)
▻http://lili.de/u/19wwt

Ramones’s Time Has Come Today
▻http://lili.de/u/1lqg5
Time Has Come Today (1983) is a cover of Time Has Come Today by The Chambers Brothers (1967)
▻http://lili.de/u/4lwop

Ramones’s My Back Pages
▻http://lili.de/u/l7m2j
My Back Pages (1993) is a cover of My Back Pages by Bob Dylan (1964)
▻http://lili.de/u/6sxfe

Ramones’s Can’t Seem to Make You Mine
▻http://lili.de/u/19n23
Can’t Seem to Make You Mine (1993) is a cover of Can’t Seem to Make You Mine by The Seeds (1966)
▻http://lili.de/u/9gnbz

Ramones’s California Sun
▻http://lili.de/u/m7nbw
California Sun (1977) is a cover of California Sun by The Rivieras (1964)
▻http://lili.de/u/91nsq

Ramones’s When I Was Young
▻http://lili.de/u/wrcs5
When I Was Young (1993) is a cover of When I Was Young by Eric Burdon and The Animals (1968)
▻http://lili.de/u/0ayli

Ramones’s Anyway You Want It
▻http://lili.de/u/vnywa
Anyway You Want It (1997) by Ramones feat. Eddie Vedder
is a cover of Any Way You Want It by The Dave Clark Five (1965)
▻http://lili.de/u/exff3

Ramones’s I Can’t Control Myself
▻http://lili.de/u/hjkgs
I Can’t Control Myself (1993) is a cover of I Can’t Control Myself by The Troggs (1966)
▻http://lili.de/u/g2k80

Ramones’s R.A.M.O.N.E.S.
▻http://lili.de/u/w4ib6
R.A.M.O.N.E.S. (1995) is a cover of R.A.M.O.N.E.S. by Motörhead (1991)
▻http://lili.de/u/oyx1h

Ramones’s The Shape of Things to Come
▻http://lili.de/u/082qt
The Shape of Things to Come (1993) is a cover of Shape of Things to Come by Max Frost & the Troopers (1968)
▻http://lili.de/u/b0fmu

Ramones’s Do You Wanna Dance?
▻http://lili.de/u/qgp6t
Do You Wanna Dance? (1977) is a cover of Do You Want to Dance by Bobby Freeman (1958)
▻http://lili.de/u/xk2vl

Ramones’s Palisades Park
▻http://lili.de/u/1xson
Palisades Park (1989) is a cover of Palisades Park by Freddy Cannon (1962)
▻http://lili.de/u/9mcha

Ramones’s The Crusher
▻http://lili.de/u/gvui8
The Crusher (1995) is a cover of The Crusher by Dee Dee King (1989)
▻http://lili.de/u/dmq2f

Ramones’s Surf City
▻http://lili.de/u/w1ril
Surf City (1993) is a cover of Surf City by Jan and Dean (1963)
▻http://lili.de/u/qxgwm

Ramones’s Indian Giver
▻http://lili.de/u/tna5c
Indian Giver (1987) is a cover of Indian Giver by 1910 Fruitgum Company (1969)
▻http://lili.de/u/hb9gk

The Simpsons feat. Ramones’s Happy Birthday, Mr. Burns
▻http://lili.de/u/8kc2z
Happy Birthday, Mr. Burns (1999) by The Simpsons feat. Ramones is a cover of Happy Birthday to You by Preston Ware Orem and R.R. Forman (1935)
▻http://lili.de/u/hcaxc

Ramones’s 7 and 7 Is
▻http://lili.de/u/trpw5
7 and 7 Is (1993) is a cover of 7 and 7 Is by Love (1966)
▻http://lili.de/u/elcrp

Ramones’s Journey to the Center of the Mind
▻http://lili.de/u/6e923
Journey to the Center of the Mind (1993) is a cover of Journey to the Center of the Mind by The Amboy Dukes (1968)
▻http://lili.de/u/notel
▻https://www.youtube.com/watch?v=PCR3GSXGFc4

#rock'n'roll

–— INFOS AL DANTE ---

Les #éditions Al Dante ont stoppé leurs activités au 1er janvier 2018.

Dorénavant, la totalité du catalogue Aldantien sera disponible aux Presses du réel (intégration en cours).

Vous pouvez continuer à vous procurer les livres sur le site des
éditions Al Dante jusqu’au 15 février 2018 (c’est même conseillé et désiré). —> ▻http://al-dante.org

Ensuite, le site sera fermé, et les Presses du réel prendront le relais. —> ▻http://www.lespressesdureel.com

Une collection Al Dante est créée au sein des Presses du réel, qui sera composée de trois sections :

– La section « Pli » (sous la responsabilité de Justin Delareux et de Jean-Marie Gleize) qui, plus que jamais, restera vigilante à la création poétique actuelle dans ce qu’elle a de plus pertinente en terme d’inventivité et de volonté critique.
[contact : ad.sectionpli@gmail.com]

– La section « Anthologie » (sous la responsabilité de Laurent Cauwet et de Julien Blaine) qui, de publication en publication, constituera une anthologie internationale de poésie contemporaine (les premiers volumes seront dédiés à la Palestine, au Maroc, à la communauté Mapuche et à la France).

– La section « Les Irréconciliables » où seront publiées des œuvres singulières oubliées, peu connues, inclassables ou considérées comme impubliables (parmi les premiers projets : Kurt Schwitters, Jacques Sivan, Sylvain Courtoux, Michel Crozatier).

Dans cette configuration, cette collection commencera son cycle éditorial en octobre 2018.

Mais d’ores et déjà, en préfiguration de cette collection Al Dante en construction, et parce que rien ne saurait s’arrêter jamais, trois ouvrages paraissent au mois de mars :

– "Terreur, saison 1" d’Éric Arlix (récit)
– "Ce que je n’ai pas dit à Bob Dylan" de Jalal El Hakmaoui (poésie traduit de l’arabe - Maroc - par l’auteur)
– "2017" de Julien Blaine (chronique poétique)

source : Laurent Cauwet : ▻https://www.facebook.com/laurent.cauwet/posts/1789858384418474

Modiano, nouveau « contemporain capital »

▻http://www.lemonde.fr/livres/article/2017/10/25/modiano-nouveau-contemporain-capital_5205806_3260.html

Le Prix Nobel de littérature 2014 n’a pendant longtemps guère été pris au sérieux. Cela a bien changé, et il est même désormais une figure tutélaire pour de nombreux auteurs

http://img.lemde.fr/2015/01/01/181/0/4097/2049/644/322/60/0/ill_4548267_f1cb_396983.jpg

Vous rappelez-vous ce numéro historique d’« Apostrophes » ? Ce vendredi soir de janvier 1980, Bernard Pivot présente à Romain Gary un jeune invité surprise : Patrick Modiano. Gary dit son plaisir de rencontrer le « Saint-John Perse du roman », dont il apprécie les livres. « Et Modiano, demande Pivot, vous êtes lecteur de Gary ? » L’auteur de Rue des Boutiques obscures (Prix Goncourt 1978) modianise : « Oui, bien sûr, quand on le lit on est un peu comme, on ne sait pas très bien, et puis après, disons que, surtout quand ça nous rappelle, non, parce que les livres, enfin, c’est une sorte de, et alors c’est un peu comme si, enfin, tout cela est, comment dire, bizarre. »

Savoureux tête-à-tête entre deux écrivains aujourd’hui considérés comme des monuments. François-Henri Désérable le rapporte avec précision dans Un certain M. Piekielny (Gallimard, 2017), son excellente enquête sur les traces de Gary et d’un de ses plus attachants personnages. Après sa parution, en août, plusieurs lecteurs lui ont confié combien cet « Apostrophes » avait laissé en eux un souvenir puissant. D’autres lui ont demandé où l’on pouvait visionner cette archive exceptionnelle. Déception : le face-à-face n’a jamais eu lieu. « Je n’en ai pas eu l’idée et c’est l’un de mes regrets les plus vifs. Une faute professionnelle ! », a reconnu Bernard Pivot, bon joueur, dans Le Journal du dimanche. Bonheur : cette émission de rêve, Désérable l’a créée de façon époustouflante, bien qu’il soit trop jeune pour avoir jamais suivi « Apostrophes » en direct.

En 1924, l’écrivain André Rouveyre avait hissé André Gide au rang de « contemporain capital ». Depuis, le titre a été attribué à bien des auteurs, dont André Malraux ou Georges Perec. Il pourrait à présent être appliqué avec justesse à Patrick Modiano, tant l’auteur de La Place de l’Etoile (Gallimard, 1968) est devenu une référence majeure pour les écrivains d’aujourd’hui. Un phénomène particulièrement net dans les livres sortis ces derniers mois.

Longtemps, Modiano a été considéré comme un auteur facile, un peu enfermé dans son obsession pour l’Occupation et les collabos. L’Université française le regardait de haut, et les premiers travaux solides sur son œuvre sont surtout venus de chercheurs anglo-saxons. La publication de Dora Bruder (Gallimard, 1997) et le retentissement de cette enquête sur une jeune fille inconnue assassinée à Auschwitz, puis le choc de son atypique autobiographie Un pedigree (Gallimard, 2005), ont changé la donne. Peu à peu, cet écrivain si à part a été pris au sérieux. Un mouvement consacré en 2014 par le prix Nobel de littérature.

Désormais, Modiano figure logiquement dans les ouvrages d’histoire littéraire, comme la monumentale biographie d’Emmanuel Berl dans laquelle Olivier Philipponnat et Patrick Lienhardt détaillent la relation entre le vieil historien apparenté à Proust et l’écrivain débutant qui vient l’interroger dans son appartement du Palais-Royal (Emmanuel Berl. Cavalier seul, Vuibert, « Biographie », 498 p., 27 €).

Mais il est aussi choisi comme figure tutélaire par de nombreux auteurs partis sur les traces d’une silhouette difficile à saisir. Marie Van Goethem, le modèle de Degas, « était devenue ma Dora Bruder », écrit Camille Laurens dans La Petite Danseuse de quatorze ans (Stock). « La lecture de Patrick Modiano m’accompagnait, ses phrases sues par cœur », ajoute-t-elle. Marie Charrel cite également Dora Bruder en exergue de son enquête sur la peintre Yo Laur (Je suis ici pour vaincre la nuit, Fleuve).

François-Henri Désérable ne dit pas autre chose : « Modiano fait partie de ces quelques écrivains qui figurent dans mon panthéon personnel, confie-t-il. Au départ, j’ai voulu faire avec Piekielny ce qu’il a fait avec Dora Bruder : sortir son nom de l’oubli. Dora Bruder est donc en quelque sorte l’hypotexte d’Un certain M. Piekielny. »

Sous la plume de Désérable et de quelques autres, Patrick Modiano devient à présent lui-même un personnage de roman, reconnaissable à son grand corps, ses promenades dans Paris, sa parole hésitante, ses silences. Dans Taba-Taba (Seuil), Patrick Deville dépeint son apparition soudaine rue de Rennes, comme une hallucination : « Il traversait la rue, vêtu d’un long manteau marron, si grand qu’une femme qui l’accompagnait semblait très petite à son côté. J’entendais ses souliers ferrés sur le trottoir. » Il se trouve aussi au centre du Déjeuner des barricades, de Pauline Dreyfus (Grasset, 234 p., 19 €), récit de l’épique journée de mai 1968 durant laquelle le jeune prodige reçoit son premier prix littéraire dans un hôtel de luxe paralysé par la grève générale. C’est encore lui que la dessinatrice Catherine Meurisse croque dans le recueil Franceinfo : 30 ans d’actualité (Futuropolis, 328 p., 29 €). Acclamé telle une star par une foule en liesse rassemblée sur les Champs-Elysées à l’occasion du Nobel, il balbutie : « Heu… Oui… Eh bien… C’est-à-dire que… »

L’étape suivante se dessine déjà. Grâce au Nobel, l’aura de Modiano a commencé à dépasser la France. José Carlos Llop, le « Modiano espagnol », parle longuement de « son vaste catalogue de pertes, disparitions et faux passeports » dans Reyes de Alejandría (Alfaguara). L’Australien Barry Jones lui consacre plusieurs pages de The Shock of Recognition (Allen & Unwin). Quant à la très littéraire chanteuse américaine Patti Smith, qui représentait Bob Dylan à Stockholm pour la remise du Nobel de ce dernier, en 2016, elle décrit dans Devotion (Yale University Press) un Modiano capable de traverser tout Paris à la recherche d’un escalier perdu. Modianesque à souhait.

#Kazuo_Ishiguro, un Nobel de la nostalgie
▻https://www.mediapart.fr/journal/culture-idees/211017/kazuo-ishiguro-un-nobel-de-la-nostalgie

L’an dernier, l’Académie suédoise, jouant l’audace, a couronné l’auteur-compositeur-interprète Bob Dylan, qui fit bien des façons avant de venir tardivement recevoir son prix. Cette année, elle a distingué Kazuo Ishiguro, romancier britannique à la réputation de parfaite courtoisie.

#Culture-Idées #En_attendant_Nadeau #Littérature

Le prix Nobel, science inexacte

▻http://www.lemonde.fr/prix-nobel/article/2017/10/01/le-nobel-science-inexacte_5194474_1772031.html

Alors que l’académie suédoise entame, lundi, la campagne 2017 de remise de ses prix, « Le Monde » revient sur quelques épisodes passés où les lauréats n’auraient pas dû être récompensés.

http://img.lemde.fr/2017/10/01/0/0/0/0/644/322/60/0/a45cd61_10622-11jx4fp.s1ehveu3di.jpg

Fallait-il attribuer le Nobel de littérature à Bob Dylan ? Faudrait-il retirer celui de la paix à Aung San Suu Kyi ? Le plus célèbre des prix suscite régulièrement des controverses.

Pourtant, ces polémiques épargnent le champ scientifique. En médecine, en physique, en chimie ou encore en économie, les lauréats retenus depuis 1901 font presque toujours l’unanimité. Tout juste regrette t-on l’absence de découvertes majeures – la théorie de la relativité n’a jamais été primée – ou de grands noms de ces disciplines.

Le panthéon scientifique érigé par l’académie suédoise cache pourtant quelques erreurs notables, sur lesquelles ses responsables actuels, sollicités par Le Monde, ont refusé de revenir. Elles apparaissent toutefois révélatrices tout autant de la puissance des mandarins que des cahots inévitables de la recherche ou simplement de l’écart qui peut exister entre théorie et expérience.

La double faute de 1927

Patrick Berche, microbiologiste et directeur de l’Institut Pasteur de Lille, n’hésite pas à parler d’« année terrible » pour évoquer 1927.

Cet automne-là, les membres de l’Académie Nobel n’annoncent pas un, mais deux prix en médecine : celui de 1926, resté sans lauréat, est attribué au Danois Johannes Fibiger pour la découverte de Spiroptera carcinoma, un ver nématode capable de provoquer le cancer. Pour 1927, ils récompensent l’Autrichien Julius Wagner-Jauregg, pionnier de la malariathérapie, un traitement de la syphilis par injection du paludisme. On le sait aujourd’hui : l’un relevait de l’erreur intégrale, le second d’un raccourci hasardeux.

Johannes Andreas Grib Fibiger, Prix Nobel en 1926.
La « découverte » de Fibiger tient presque du mirage. En 1907, cet éminent professeur décèle des lésions dans l’estomac de trois rats gris. Convaincu depuis des années des causes parasitaires du cancer, il multiplie les autopsies de rongeurs. D’abord sans résultat. Mais il finit par trouver, dans le ventre de rats ramassés dans une sucrerie, des vers nématodes. Quant aux lésions, certaines ont dégénéré en tumeurs cancéreuses, affirme-t-il. Publiés en 1913, ses résultats font sensation : pour la première fois, on a fabriqué expérimentalement un cancer ! En 1918, les Américains Frederick Bullock et George Rohdenburg mettent en doute la malignité des lésions. Mais, à l’époque, la connaissance du cancer reste lacunaire.

De 1922 à 1927, Fibiger est « nominé » à seize reprises par des scientifiques de renom chargés de proposer des lauréats potentiels au Nobel. Les quatre premières années, sa candidature est écartée par des rapporteurs sceptiques. En 1926, les jurés renoncent au dernier moment, au point qu’aucun plan B n’est prévu. Mais, en 1927, le Suédois Folke Henschen, ami et thuriféraire de Fibiger, convainc ses pairs de primer le Danois.

Il faut attendre 1935 pour voir pâlir son étoile. Cette année-là, l’Anglais Richard Passey reproduit son expérience et découvre que la cause des tumeurs ne tient nullement en la présence des nématodes, mais provient d’une carence en vitamine A. Pis : les lésions sont de simples métaplasies, aucunement cancéreuses. En 1952, une équipe américaine retrouvera les clichés microscopiques de Fibiger et confirmera le diagnostic. De tous les acteurs de cette histoire, le seul à avoir succombé à un cancer fut… Johannes Fibiger lui-même, en janvier 1928, un mois après la réception de son prix.

Julius Wagner-Jauregg.
Le naufrage de 1927 ne s’arrête pas là. Stockholm s’entiche d’« une triste figure de l’histoire de la médecine », selon Patrick Berche : l’Autrichien Julius Wagner-Jauregg. Toute sa vie, ce neurologue et psychiatre a défendu l’eugénisme et l’euthanasie des « crétins ». Pendant la première guerre mondiale, il a préconisé le traitement des « névrosés de guerre » par électrochocs – ce qui lui a valu un procès, dont il est sorti blanchi. A titre personnel, enfin, il a soutenu le parti nazi, échouant à y adhérer car sa première femme était juive.

Mais, en 1927, l’Académie Nobel le récompense pour tout autre chose : la malariathérapie. Dans sa clinique de Graz, en Autriche, Wagner-Jauregg a en effet remarqué que les patients souffrant d’une paralysie générale causée par l’évolution de leur syphilis voient leurs symptômes réduits lors des épisodes fébriles. Et, pour provoquer une forte fièvre, quoi de mieux qu’une crise de paludisme ? Le parasite a l’avantage d’être contrôlable par la quinine.

Bien que le chercheur déplore quelques victimes dans son laboratoire, sa méthode est finalement reconnue. Elle finit même par s’imposer pour traiter des schizophrènes. Elle ouvrira la voie à d’autres thérapies dites « de choc », censées sortir, par des comas ou des crises d’épilepsie provoqués, les malades mentaux de leurs états extrêmes. « Ce Nobel a été attribué sans réels fondements scientifiques, ni études systématiques, regrette Patrick Berche. Heureusement, la découverte des antibiotiques a mis un terme à cette pratique. »

La bourde de Fermi

Enrico Fermi.
Le 10 novembre 1938, l’Académie Nobel annonce avoir décerné son prix au physicien italien Enrico Fermi « pour sa découverte de nouveaux éléments radioactifs, développés par l’irradiation de neutrons ». Le communiqué précise : « Enrico Fermi a réussi à produire deux nouveaux éléments, dont les numéros d’ordre sont 93 et 94, auxquels il a donné le nom d’ausénium et d’hespérium. » Brillante découverte.

Jusque-là, l’uranium et ses 92 protons font figure de plafond, sinon théorique, du moins expérimental… Seulement voilà : il n’y a ni ausénium ni hespérium dans l’expérience du savant transalpin ! Fermi s’est trompé dans son interprétation, et le monde de la physique s’est rallié à son panache.

L’homme, il est vrai, dispose d’une aura immense. Il a déjà mis en évidence une nouvelle forme de radioactivité – ce qui, en soi, aurait pu lui valoir un Nobel. Fort de ce résultat, il décide de bombarder de neutrons des noyaux d’uranium. Si tout se passe comme le veut sa théorie, il créera ainsi un nouvel élément, à 93 protons. Voire un autre, à 94.

Ces deux merveilles, Fermi croit les identifier, dans l’article qu’il publie en 1934, dans la revue Nature. Pas directement, par la chimie, mais grâce à des propriétés physiques indirectes. Quelques voix timides ont beau émettre des doutes, la prudence légendaire de M. Fermi et sa renommée mondiale emportent l’adhésion. Le 12 décembre 1938, il reçoit son prix. Et en profite pour quitter l’Europe – sa femme est juive.

Un mois plus tard, deux chimistes allemands, Otto Hahn et Fritz Strassmann, annoncent avoir reproduit son expérience. Les produits n’en sont pas des éléments superlourds, mais au contraire plus légers. L’explication est fournie en février, toujours dans la revue Nature, par les Autrichiens Lise Meitner et Otto Frisch : les noyaux d’uranium n’ont pas été enrichis… mais coupés en deux. Ce que Fermi a réalisé, sans le savoir, c’est la première réaction de fission nucléaire.

Hahn, Strassmann et Frisch décrocheront la récompense suprême en 1944 (La seule femme a été oubliée !). Deux autres chimistes américains seront à leur tour primés en 1951 pour la découverte des vrais éléments 93 et 94, le neptunium et le plutonium. Pour le chimiste allemand Martin Quack, auteur d’un article sur cette aventure, la science ne peut se réduire à la « nouveauté » : « La répétition, la reproduction, l’extension ou le rejet des résultats précédents sont au cœur du bon travail scientifique. »

Le Nobel de la honte

Egas Moniz
C’est assurément le prix le plus controversé de l’histoire du Nobel. Comment le gotha de la médecine a-t-il pu, en 1949, honorer le Portugais Egas Moniz pour ses travaux sur « la leucotomie préfrontale appliquée au traitement de certaines psychoses et troubles mentaux » – rebaptisée plus tard lobotomie ? Comment cette sinistre ablation d’une partie du cerveau a-t-elle pu passer tous les filtres de l’Académie ?

Pour le neurochirurgien Marc Lévêque, la réponse est « une conjonction de circonstances : la personnalité de Moniz, un intense travail de lobbying, le manque de recul sur ces pratiques et l’absence de thérapeutique alternative pour certaines pathologies graves – le premier neuroleptique sera découvert trois ans plus tard, sans jamais, du reste, être récompensé par un Nobel ». Peut-être faudrait-il ajouter un peu de mauvaise conscience… En 1928 et 1936, Moniz a raté le prix de peu pour une autre découverte, majeure celle-là : l’artériographie cérébrale.

En 1935, ce médecin au destin peu commun – il a aussi été ambassadeur du Portugal à Madrid, puis ministre des affaires étrangères – s’inspire d’observations réalisées sur les singes pour proposer un traitement novateur de certaines pathologies mentales : déconnecter partiellement les lobes préfrontaux du reste du cerveau.

Le 11 novembre 1935, une première patiente – une ancienne prostituée de 63 ans souffrant de mélancolie et de paranoïa – est opérée. Dix-neuf autres suivront. Sur les vingt personnes traitées, le médecin annonce sept « guérisons », sept « améliorations », six patients « inchangés ». L’échantillon est bien faible, mais il va suffire à lancer une pratique.

Dans la plupart des pays occidentaux, la lobotomie s’impose : des milliers de malades sont opérés, malgré les protestations de nombreux psychiatres. Aux Etats-Unis, Walter Freeman la « perfectionne » : en lieu et place des ouvertures réalisées des deux côtés du crâne, il passe par le globe oculaire.

Star mondiale, salué par la presse américaine pour ses prouesses, Freeman milite, après la Libération, pour que son aîné portugais obtienne le Nobel. Il rêve évidemment de partager les lauriers. Espoir déçu. En 1949, l’autre moitié de la récompense échoit au Suisse Walter Hess, qui a mis en évidence le rôle du cerveau dans la gestion des organes.

En 1952, la découverte du premier neuroleptique change la donne : la chirurgie cède la place à la chimie. Du moins pour la grande masse des patients. Des héritiers du Dr. Moniz sévissent encore çà et là. Dans certains pays, comme la Chine, la chirurgie du cerveau reste d’usage courant. En France, la dernière lobotomie « officielle » date de 1991.

Lire aussi : Pratiquée jusque dans les années 80, la lobotomie visait surtout les femmes

La faillite des stars de la finance

Robert C. Merton en 2006 et Myron Scholes en 2008
Avouons-le : installer Robert Merton et Myron Scholes dans ce triste palmarès peut paraître cruel. « Mais leur mésaventure a provoqué chez les économistes un éclat de rire général et demeure un cas d’école », s’amuse Jean-Marc Daniel, professeur d’économie à l’ESCP Europe.

Le 15 octobre 1997, les deux économistes américains sont en effet primés pour avoir « ouvert de nouveaux horizons au champ des évaluations économiques ». Leur spécialité : appliquer les probabilités aux marchés financiers afin de prévoir le comportement des produits dérivés. Sur toutes les places boursières, le modèle dit de « Black et Scholes » (décédé en 1995, Fischer Black n’aura pas le prix) fait déjà fureur.

Les deux lauréats conseillent d’ailleurs le prestigieux fonds d’investissement LTCM, coqueluche de Wall Street. En 1997, la crise asiatique fragilise ses positions. Mais le modèle mathématique prévoit un retour à l’équilibre. LTCM mise en ce sens, notamment en Russie. Et patatras ! En 1998, Moscou dévisse et LTCM prend l’eau.

« Aucun autre fonds n’a fait aussi mal », raconte Jean-Marc Daniel. Les pertes avoisinent les 4 milliards de dollars. La Réserve fédérale (Fed, banque centrale) convainc les banques américaines d’intervenir pour éviter la faillite du fonds spéculatif.

L’ensemble de la planète financière échappe à la contagion. Mais les marchés s’en trouveront affectés pendant plusieurs mois. Si les deux chercheurs restent, selon Daniel Cohen, professeur à l’Ecole normale supérieure, « de grands économistes, qui ont créé un champ dans la discipline », leur étoile brille un peu moins fort au firmament des Nobel.

The Village Voice prints its final edition – with Bob Dylan on the cover
▻https://www.theguardian.com/media/2017/sep/21/village-voice-final-edition-new-york-bob-dylan

Bob Dylan a-t-il plagié son discours au Prix Nobel ?
▻http://www.lesinrocks.com/2017/06/16/actualite/bob-dylan-t-il-plagie-son-discours-au-prix-nobel-11955819

http://www.francetvinfo.fr/image/75e92ur48-0749/1200/450/12684723.jpg

S’il fallait une preuve de plus du foutage de gueule dylanien ( ►http://towardgrace.blogspot.fr/2017/06/le-maudit-bic-de-dylan.html ), et naturellement les fans de cette chèvre bêlante trouveront la chose so Dylan (il étranglerait une vielle dame dans une rue obscure, on continuerait de lui trouver des odeurs de beurre frais). Quand je pense à tous les véritables écrivains qui de par le monde ont écrit des oeuvres courageuses et admirables, ils n’ont pas fait la moitié d’une connerie l’année dernière les jurés du Nobel.

Bob Dylan reçoit son prix Nobel sur une note d’Homère

▻http://www.lemonde.fr/musiques/article/2017/06/08/bob-dylan-recoit-son-prix-nobel-sur-une-note-d-homere_5140401_1654986.html

Fin du feuilleton Bob Dylan, prix Nobel de littérature. Le chanteur américain avait jusqu’au 10 juin pour transmettre à l’académie suédoise son discours de réception, faute de quoi la récompense de 8 millions de couronnes suédoises (837 000 euros) lui aurait échappé. La secrétaire perpétuelle de l’institution, Sara Danius, a annoncé, lundi 5 juin, que le lauréat s’était exécuté, en qualifiant le résultat, mis en ligne, d’« extraordinaire et, comme on pouvait s’y attendre, éloquent ».

http://img.lemde.fr/2017/06/05/108/0/1042/521/644/322/60/0/70f1825_471d084b435544458a2011994e71299e-471d084b435544458a2011994e71299e-0.jpg

Et Dylan d’enchaîner sur la découverte du bluesman Leadbelly, puis du patrimoine folk, ce qu’il nomme le « vernaculaire », les mythes de l’americana, comme celui du meurtrier Stagger Lee. Les grands thèmes de la littérature n’ont cessé également de nourrir ses chansons. Il s’arrête sur trois livres, dont la lecture remonte à l’école primaire, qui lui ont enseigné « une vision de l’existence » et une « compréhension de la nature humaine » : Moby Dick, A l’Ouest, rien de nouveau et l’Odyssée.

Fondateur, le chef d’œuvre de Melville l’est pour son brassage de mythes bibliques, hindous, britanniques, grecs… Dylan cite cette phrase d’Achab, dont l’écho a tant traversé ses chansons : « Tous les objets visibles ne sont que des masques de carton. » Quant au roman d’Erich Maria Remarque sur les tranchées de la première guerre mondiale, il lui a fait perdre son « enfance ». Une expérience définitive puisque le lecteur ajoute : « Je n’ai jamais voulu lire un autre roman de guerre, et je ne l’ai jamais fait. » Plutôt que d’associer une de ses chansons, comme Masters of War, Dylan établit un parallèle avec You Ain’t Talkin’ To Me, du banjoïste Charlie Poole (1892-1931), et son couplet parlant d’une campagne de recrutement : « Tu rencontreras des gens intéressants et tu apprendras aussi à les tuer. »

Bob Dylan Nobel Lecture in Literature
▻https://www.youtube.com/watch?v=3Zf04vnVPfM

LA CHANSON EN 2005 Radio Campus Lille - L’Arsène - lundi 24 avril 2017

Agnès Bihl (▻https://fr.wikipedia.org/wiki/Agnès_Bihl) est une chantauteure française née à Neuilly-sur-Seine en 1974. De famille intellectuelle, son grand-père est une des fondateur de l’Illustration, ses parents avocat et peintre, elle vivra son enfance dans un milieu artistique. Elle fréquentera la chanson sur son phono : Brel, Brassens, Renaud ; mais ce monde lui paraît inaccessible. A 23 ans alors étudiante, un copain qui chante et joue de l’accordéon l’entraîne au cabaret libertaire parisien « La Folie en Tête » pour voir un certain Allain Leprest. C’est la révélation, le coup de foudre : la chanson vit autrepment qu’en disque. La nuit même Agnès écrit sa première chanson. Vient sa première scène au Limonaire, sa griffe verbale et son tempérament scénique font qu’on l’invite en première partie : Leprest, Dikès, Anne Sylvestre...) Son premier disque en 2001 « La terre est blonde » est très apprécié par les amateurs de chanson. En 2005 paraît son 2ème album « Merci maman, merci papa »

Dans cette 1ère partie seront diffusés :

01’28 Olivier Brousseau : Les Gaulois : J’ai mon voyage, 2005

04’48 Oaï star : Bravo mon papa : Va à Lourdes, 2005

08’41 Agnès Bihl : Merci maman, merci papa : idem, 2005

12’11 Xavier Merlet : Bangkok : Du point d’vue d’la mouette, 2005

Baaziz est un chantauteur et compositeur algérien né à 1963 d’un père marin musicien de chaâbi et d’une mère kabyle. Dans sa jeunesse il s’intéresse à Nass El Ghiwane (groupe parfois qualifié de Rolling Stone de l’Afrique), Bob Dylan, Brassens, Brel, Renaud...En 1988 Baaziz participe aux événements estudiantins qui secouent l’Algérie. dans son 1er album, il utilise la tradition du Maâkous (détournement de chanson) et détourne « Hexagone » de Renaud qui devient « Je m’en fous ». Chanson qu’il réenregistrera dans son album « 10 ans de Chaâbi Rock’n Bled » de 2005.

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Dans cette 2ème partie seront diffusés :

16’38 Lioubè : Bat’ka Makhno : Atas, 2005

19’31 Prince (groupe russe) : Postoj !! : Love Negodyaya, 2005

22’23 Marianne Farouch’ : Bei Mir Bistu Sheyn : Le nombril du monde, 2005

25’14 Baaziz : Annaya el youm je m’en fous : 10 ans de Chaabi rock’n’bled, 2005

Nicolas Bacchus, de son vrai nom Nicolas Bages est un chantauteur français, né en Auvergne de parents enseignants. A la maison, la discussion est ouverte, Nicolas fréquente une école Freinet où la pédagogie , matérialiste est fondée sur l’expression libre des enfants. Après un bac scientifique, il s’oriente vers des études de droit et de psycho pour travailler dans le social. Il y travaille pendant 5 ans comme éducateur spécialisé tout en s’essayant à la chanson dans les bistrots. Il reprend alors du Font et Val et du Renaud. Il s’installe à Toulouse puis démisionne de son poste d’éduc. pour se consacrer à la chanson. En 1999 Nicolas fait paraître un album autoproduit. En 2005 paraît « A table » son deuxième album studio.

Dans cette 3ème partie seront diffusés :

32’26 Lola Lafon : Complètement à l’ouest : Grandir à l’envers de rien, 2005

36’37 Nicolas Bacchus : Etrange : A Table, 2005

39’08 Allain Leprest & O Ruiz : Etes-vous là : Donne-moi de mes nouvelles, 2005

42’58 Chloé Sainte-Marie : Faire terre : Parle-moi, 2005


Didier Awadi est un rappeur sénégalais né à Dakar en 1969. Pionnier du mouvement rap en Afrique de l’Ouest, il commence sa carrière en 1989 avec le groupe Positive Black Soul. Dans les années 1990, où le Sénégal est soumis à des politiques d’ajustements structurels par le FMI, le groupe appelle la jeunesse à la prise de conscience, à la prise en main de son destin ainsi qu’à l’optimisme. 
Didier entame une carrière solo à l’aube des années 2000, fait paraître un premier album « Kaddu Gor » en 2002 puis « Un autre monde est possible » en 2005

Dans cette 4ème partie seront diffusés :

47’09 Couleur Garba : La libérale : Ambules, 2005

49’38 Didier Awadi : Cri du peuple : Un autre monde est possible, 2005

54’13 Claude Antonini : Eté : La cuvée du cigalier, 2005

57’56 Bruno Ruiz : Des forces : Si, 2005

Liens et informations sur les ACMI, chantauteur sur : ▻http://www.campuslille.com/index.php/entry/la-chanson-en-2005-1
#Audio #Radio #Radios_Libres #Radio_Campus_Lille #Musique_et_politique #Chanson_et_politique

Bruce Langhorne, Guitarist Who Inspired ‘Mr. Tambourine Man,’ Dies at 78 - The New York Times
▻https://www.nytimes.com/2017/04/16/arts/music/bruce-langhorne-dead-guitarist-with-bob-dylan.html

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Bruce Langhorne, an intuitive guitarist who played a crucial role in the transition from folk music to folk-rock, notably through his work with Bob Dylan, died on Friday at his home in Venice, Calif. He was 78.

From his pealing lead guitar on “Maggie’s Farm” to his liquid electric guitar lines on “Love Minus Zero/No Limit” and “She Belongs to Me,” Mr. Langhorne was best known for his playing on Mr. Dylan’s landmark 1965 album, “Bringing It All Back Home.” He also contributed hypnotic countermelodies to tracks like “Mr. Tambourine Man” and “It’s All Over Now, Baby Blue.”

Mr. Langhorne also became friends with a fellow guitarist, Sandy Bull, with whom he shared an enthusiasm for African and Middle Eastern music, as well as for the reverb-steeped guitar of Roebuck Staples, the patriarch of the family gospel group the Staple Singers. Mr. Bull lent Mr. Langhorne the Fender Twin Reverb amplifier into which he plugged his acoustic 1920 model Martin guitar to create the electrifying sounds that helped give birth to folk-rock.

N’apprenez pas l’espéranto !

Gustav Landauer

▻http://lavoiedujaguar.net/N-apprenez-pas-l-esperanto

Les hommes se comprennent et peuvent s’entendre parce qu’ils sont différents ; s’ils étaient identiques, ils finiraient par se détester eux-mêmes et les uns les autres. Ce rêve d’uniformité est absolument impossible et foncièrement répugnant.

La diversité des langues n’est pas une chose que nous devons regretter ; et encore moins une chose que nous pourrions abolir. Ce qu’il faut contribuer à abolir, ce sont les conditions qui empêchent l’homme d’acquérir la connaissance des langues étrangères. Les anarchistes ne sont-ils pas radicalement opposés à tout palliatif et à tout essai d’amélioration au sein de l’État et de la société capitaliste ? L’espéranto n’est rien d’autre qu’un palliatif de cette sorte, qui plus est laid, inutile et dangereux. (...)

#anarchisme #Allemagne #diversité_linguistique #uniformisation

Bob Dylan and Van Morrison Sing Together in Athens, on Historic Hill Overlooking the Acropolis | Open Culture
▻http://www.openculture.com/2013/03/bob_dylan_and_van_morrison_sing_together_in_athens_on_historic_hill_ove

http://cdn8.openculture.com/wp-content/uploads/2013/03/bob-and-van.jpeg

On a summer day in 1989, Van Morrison and Bob Dylan met up in Greece and brought their acoustic guitars to the place in Athens where the ancients believed the muses lived. Philopappos Hill, traditionally known as the Hill of the Muses, rises high above the Athens Basin and has a commanding view of the Acropolis. It was June 29. Dylan had just wrapped up a European tour the night before at Panathinaiko Stadium, and Morrison was traveling with a BBC crew for an Arena documentary that would be broadcast in 1991 as One Irish Rover: Van Morrison in Performances. The two legendary singer-songwriters played several of Morrison’s songs: “Foreign Window” and “One Irish Rover,” above, and “Crazy Love,” below. A fourth song, “And It Stoned Me,” was apparently cut from the film.

#musique #repérages